Chaostar - Anomima

Anomima no es el primer álbum de Chaostar, el proyecto neoclásico de Christos Antoniou, guitarrista de Septicflesh, aunque sí es el primero con la mezzosoprano Androniki Skoula.

En Anomima, donde aparece como invitado Fernando Ribeiro, de Moonspell, y David Vincent, de Morbid Angel, hay ópera y experimentación, una obra basada originalmente en Medea, el drama escrito por Eurípides, solamente el tema ‘Medea’ fue el que quedó del proyecto inicial. ‘Truth Will Prevail’ lo conduce Androniki Skoula brillantemente pero lo sorprendente es esa mezcla de coros épicos al comienzo del tema, después volverán, con una sección de cuerda traída de Medio Oriente, percusión metálica y un torbellino de dubstep.

[Fuente: hipersonica.com]

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Chaostar - Underworld

 Luego del año 2004, y del lanzamiento de “The Scarlet Queen”, ya no se grabarían más álbumes, excepto por una re-masterización del demo “Underworld”, donde incluyeron versiones distintas de algunas canciones, y una interpretación muy peculiar del Adagio de Albinoni (donde Christos hace una voz casi igual a la de Mr. Doctor).

Recientemente me enteré de que se encuentran trabajando en nuevas composiciones para todos sus proyectos, que pueden escucharlos en su myspace, y en donde también podrán escuchar un fragmento de una orquestación muy simpática hecha por él, se trata de la multi-covereada “Beat It” de Michael Jackson, orquestación que hizo para la banda Inactive Messiah, que también practican un Death Sinfónico (sólo que la banda agrega el metal).

[Fuente: jimcueva.com]

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Chaostar – The Scarlet Queen

El logro más grande para Christos dentro de este proyecto (aunque ya está haciendo más cosas), se trata de “The Scarlet Queen”, con una extraordinaria mezcla Sinfónica, Folk, Electrónica, un gran coro, una gran orquesta, y una infinidad de elementos musicales (acordeones, sampleos, flautas, voces africanas, además de lo que siempre usa).

La historia de un Vampiro es contada con unos pasajes vanguardistas, hermosos, tenebrosos, y sorpresivos. Numerosas veces escuchamos la canción principal ejecutada por un acordeón, así como en los demás discos, pues si escuchamos atentamente, todos estos son sinfonías, donde todos los temas tienen una relación entre sí, incluso entre los álbumes podremos oír un guiño al anterior. Para mí, este último podría tener un 10 perfecto, pero lo evitaré ya que algunos temas se nota que fueron de relleno para el disco. Sin embargo, no deja de ser emocionante oírlo.

[Fuente: jimcueva.com]

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Chaostar - Threnody

En el 2001 se lanza Threnody, con una orquesta más grande, siguen los sonidos industriales, se enfatiza más la presencia de Natalie y menos la gutural. Se necesitará más de una escucha para caer en el agrado de esta magnífica pieza fúnebre, ya que es más lenta que su antecesor y menos interesante que el sucesor. En este se encuentra una de mis piezas favoritas de la banda “Whose God?” Si Dream Theater hiciera una orquestación, sería algo así. 

[Fuente: jimcueva.com]

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Chaostar - Chaostar

Casi 13 años de carrera respaldan la gran evolución de este querido proyecto alterno de Christos Antoniuo (el cual se puede notar como poco a poco ha ido invadiendo la música de sus otras bandas).

Primero nos dejaron en el 2000 un proyecto con orquesta sintetizada llamado “The Underworld”, el cual tiene el estilo de una ópera, con diálogos entre los vocalistas y orquestaciones magnificas, y un muy buen comienzo. Los amantes de grupos como Elend encontrarán este primer demo como uno de sus favoritos del género. Muy recomendado.

Luego, ese mismo año, se publicó el álbum homónimo donde Christos conseguiría una pequeña orquesta para expresar sus ideas. Podremos escuchar rítmicas interesantes, pasajes épicos y un estilo de composición muy académico, que amerita una sentada y más de una escucha, además de que cuenta una historia. A partir de la canción 2 nos encontramos con influencias industriales, combinadas con la orquesta, voces guturales y los coros. Un disco de 10.

[Fuente: jimcueva.com]

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Der Blaue Reiter - Le Paradis Funèbre II [L' Adieu Du Silence]

Lo que tenemos aquí es ya el cuarto disco oficial de este proyecto catalán que aúna como muy pocos la música marcial y los ambientes más desolados y oscuros, aderezándolos con deliciosos toques de elegancia neoclásica. Las percusiones contundentes y solemnes se entremezclan con fondos a veces aterradores, a veces gélidos, mientras el piano y, sobre todo, el maravilloso violín de Lady Nott, perfuman el atmósfera de una deliciosa melancolía que suaviza los opresivos ambientes creados por las canciones. Las voces intervienen poco, pero cuando lo hacen se integran perfectamente en la música, contribuyendo notablemente a crear el efecto final que esta persigue. Es precisamente en las voces donde se halla uno de los puntos más destacables de este disco; a las de Sathorys Elenorth y Lady Nott se unen las de algunas invitadas ilustres, como la de Daniela Bedeski ( Camerata Mediolanense, RosaRubea ) en el tema cinco, Cecilia Bjärgö( Arcana, Sophia) en el tema siete o Alina ( Lamia Vox) en el tema tres.

Todos y cada uno de los cortes contenidos en este maravilloso trabajo son recomendables, empezando por su gloriosa apertura, una versión corregida y aumentada de la canción del mismo nombre que abría el primer disco oficial deDer Blaue Reiter y en la que se resume a la perfección lo que es el sonido propio de este proyecto musical; atmósferas de una belleza embriagadoramente gélida, que transpiran una sobrecogedora sensación de magnificencia y majestuosidad, reforzada por unas percusiones solemnes, firmes y contundentes, además de por unas magníficas orquestaciones que recuerdan a la más épica de las bandas sonoras posible. Y, por supuesto, como colofón el violín, ese instrumento capaz como pocos de transmitir sensaciones que conmueven el alma.

[Fuente: mentenebre.com]

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Der Blaue Reiter - Nuclear Sun [Chronicle Of A Nuclear Disaster]

El concepto del disco gira en torno al terrible accidente de la central nuclear de Chernobyl, uno de los sucesos más trágicos y oscuros de los últimos tiempos.

El disco comienza con Main Titles “The Children of Chernobyl”. Un tema que rezuma tristeza y con el que es posible que derrames alguna que otra gota de dolor si lo escuchas con los ojos cerrados y dejas que tu mente te teletransporte al lugar.

Le sigue Fourth Reactor, un tema algo más experimental e industrial que se apoya en samples y ritmos marcados a modo de interpretación del cuarto reactor de la central.

Radioactive comienza con una parte experimental de sonidos extraños (tal vez sea la presentación de la radioactividad) antes de dar paso a un tema algo más marcial, que me ha recordado mucho a su otro proyecto LUGBURZ menos medievales, que por cierto en breve sacarán un nuevo disco.

Las tristes y melancólicas notas de The Last Days Of Pripiath, nos acerca a Pripyat ciudad cercana a la central nuclear y sufrió las consecuencias del desastre desde primera linea.

En 1st of May vuelven a su lado más marcial con interesantes ritmos de percusión acompañados de órganos y sonidos orgánicos. Ritmos que se mantienen en el siguiente tema, The Fall Of Light, con la diferencia de que esta última contiene partes vocales y un sonido más “oscuro”.

Walking To The Abyss deja que unos ritmos más extraños y experimentales, muy industriales, den paso a unas lineas de violín muy melancólicas y que nos van empujando hacia el abismo, tal y como el título indica.

Nuclear Sun vuelve por la senda de los ritmos más marciales acompañados por lineas vocales siniestras y que dan paso al noveno tema The Liquidators, en el que vuelven los pasajes tristes y melancólicos, a modo de homenaje a los miles y miles de soviéticos que tuvieron que “asumir”, incluso con sus propias vidas, la responsabilidad de “reparar” las consecuencias del desastre.

Cierra el disco End Credits In Memoriam, en el que tiene cabida tanto ritmos percusivos como pasajes melancólicos y que podría servir a modo de no sólo homenaje, tal y como indica el título, sino de resumen de lo que es el disco.

Un auténtico discazo, una vez más, el que nos dejan Sathorys Elenorth y Lady Nott.

[Fuente: extremeambient.net]

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Der Blaue Reiter - Silencis

Este nuevo trabajo se esperaba con impaciencia después de las buenas sensaciones que había ofrecido su debut, todo una sorpresa en la escena ambiental oscura. Unas sensaciones que se han confirmado con “Silencis” y que llegan aún mas lejos porque este cd tiene todos los elementos positivos de su predecesor y muchos más componentes añadidos que les eleva como uno de los mejores referentes de música oscura, cuando se trata de unir ambientaciones marciales con orquestaciones clásicas, pasajes desoladores con teclados luminosos. 

El inicio del disco se abre con el sonido de un reloj que enlaza rápidamente con un extracto de piano clásico para desembocar en una atmósfera apocalíptica, una introducción perfecta ante la siguiente pieza, “Eyes of the lost”, donde las percusiones lideran un ritmo contundente de aires marciales con los dos vocalistas compartiendo la dirección de un tema que ineludiblemente recuerda a los suecos Ordo Rosarius Equilibrio. También hay momentos reservados a la melancolía y a la soledad, fusionando magistralmente la música clásica del pasado con la realidad del presente en ambientes épicos y el complemento envolvente del violín de Lady Nott en “Ascensión part I”.

La música va calando hondamente en nuestro interior a medida que suceden los temas, con la belleza de un piano retrospectivo o el heroísmo y la fortaleza de la “Victoria”, el tema más apocalíptico de todo el Cd. En general todos los cortes aportan frescura y creatividad a lo que conocemos en la actualidad dentro de los sonidos oscuros y ambientales, incluso existen temas que podrían pincharse en una sesión de música industrial marcial como “Rera l’anima del vent”. Siempre que la fuerza de los tambores hacen presencia, a éstos le sucede la reflexiva calma del piano y la belleza del violín como en “Prision of desire”. Este disco deja joyas como “Abyssus abyssum vocat in voce”, en el que destaca nuevamente la labor realizada con las percusiones y el fondo de sintetizadores. 

Fantástico. Otro aspecto a destacar es la excelente labor con la que casan cada canción con la siguiente, como si todo el disco fuera una unidad indisoluble, lo que otorga al conjunto una homogeneidad y un carácter hermético a la vez que robusto. Una entereza que transmite sensaciones muy cercanas y humanas hasta que de nuevo el sonido del reloj nos anticipa el final. Este “Silencis” no deja de asombrarte por mucho que se escuche. 

[Fuente: oscuramemoria blogspot]

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Der Blaue Reiter - Le Paradise Funèbre - [L'Envers Du Tristesse]

Cuando Caustic Records decidió regrabar el excelente trabajo de presentación que llegó en el 2005 del nuevo proyecto de Sathorys Elenorth, Der Blaue Reiter, demostró tener una gran sensibilidad al dejar total libertad en cuanto a añadidos, cambios y modificaciones. ‘Le Paradis Fúnebre’, es, en sus propias palabras “obra conceptual inspirada en la invasión de Polonia por parte del ejército alemán en 1939 y como fruto de la misma el inicio de la segunda guerra mundial”. Las modificaciones incluyen la colaboración de Lady Nott, su compañera en Narsilion, en el violín y voz; y Morpheus en voz. Pero el principal cambio es el nuevo añadido, ‘L'envers du Tristesse’, una segunda parte para ‘Le Paradis Fúnebre’, que enriquece el resultado total del disco y modifica el significado, ampliándolo y, sobre todo, siendo un fiel ejemplo de los derroteros que toma el trabajo de Der Blaue Reiter. Por último, la inclusión de un tema ‘bonus’ que pertencerá a su siguiente lanzamiento, ‘Silencis’, previsto para el año que viene.

Los temas de Der Blaue Reiter se trenzan alrededor de piezas clásicas que inspiran, inician e impregnan la mayoría de las canciones. En muchas ocaciones los cortes de artistas como Bach o Purcell son embebidos dentro del tema y es dificultoso saber donde acaba el compositor y donde empieza la deconstrucción y el alargamiento de la sombra de Sathorys Elenorth. Las características que más definen esa intrusión y posterior conversión de los temas son los sintetizadores cargados de atmósferas y las percusiones marciales. Pero los recursos de Der Blaue Reiter son innumerables: desde sonidos digitales, distorsión, ondas, susurros, gemidos, samplers. En algunos casos, Der Blaue Reiter se decanta por el neoclasicismo, la grandiosidad y el belicismo. En otros, se dedica a crear capas sonoras donde la repetición consolida ambientes, melodías desdibujdas, planincies yermas y vacías hasta donde alcanza la vista. En otros, como en ‘Into Heaven’s Maze’ decide utilizar los dos, haciendo del tema una metamosfósis interna. [Fuente: sonidobscuro.com]

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Die Verbannten Kinder Evas - Come Heavy Sleep

En el año 1997, Die Verbannten Kinder Evas publicará su segundo trabajo, titulado “Come heavy sleep”. El grupo elegirá a la compañía discográfica M.O.S. Records, con sede en Liechtenstein, como encargada de su publicación y distribución. Este álbum consolidará a Die Verbannten Kinder Evas dentro de la escena, divulgándose incluso algunas de sus canciones en medios de comunicación alternativos. De esta manera, Die Verbannten Kinder Evas empieza a estar en boca de muchos seguidores de este estilo musical, y la excelente opinión que se empieza a generar en el público debido a la gran calidad contenida en sus composiciones, llevará a “Come heavy sleep” a lo más alto en las listas de éxito.

El disco “Come heavy sleep” es mucho más melancólico, más triste y no tan góticamente espiritual como su primer trabajo. En este trabajo, Richard Lederer se recreará mucho más con las emociones, con los contrastes, con la solemnidad existente en los momentos previos a la muerte.

(Fuente: luxatenealibros)

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Die Verbannten Kinder Evas - Dusk And Void Became Alive

Cuando los seguidores de Die Verbannten Kinder Evas dábamos el grupo por cerrado, en el año 2006, Richard Lederer nos sorprendió con su cuarto álbum, titulado “Dusk and Void Became Alive”. Publicado por la compañía discográfica Napalm Records en noviembre de ese mismo año, con un disco de esta calidad y belleza Die Verbannten Kinder Evas vuelve a demostrar al público neoclasicista que aun quedan muchas fronteras por atravesar, muchas sensaciones por descubrir, mucha belleza musical por sentir en lo más profundo de cada uno de nosotros. En “Dusk and Void Became Alive”, de nuevo estará presente la influencia intemporal del magistral músico inglés John Dowland, acompañado por otro gran genio, Grigorii Petrenko.

Siempre me ha sorprendido el virtuoso don que posee Richard Lederer a la hora de escoger la vocalista femenina que le acompañe, y dando continuidad a esta excelente capacidad de elección, en “Dusk and Void Became Alive” será Christina Kroustali la encargada de volvernos a poner en contacto directo con la música celestial. Porque Christina Kroustali no solamente posee una voz con un potente registro, sino que su versatilidad, amplitud y capacidad vocal le permite definir y participar en tal variedad de formas y estilos de canto que la convierten en todo un lujazo musical. Todo un grandioso diamante, pulido con la más suave de las bellezas, cuyos iridiscentes brillos nos hipnotizarán y encantarán cual embrujo de Euterpe.

(Fuente: luxatenealibros)

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Die Verbannten Kinder Evas - In Darkness Let Me Dwell

El álbum “In darkness let me dwell” es la obra de Richard Lederer más sombría, decadente y trágica de todas las publicadas en este proyecto. La frialdad emocional cubre todas y cada una de sus notas musicales como si fuera un gélido viento congelando gotas de rocío sobre una cubierta vegetal. Una pasión mezclada con lamentos que se transforman en las dos caras de esta melódica moneda. “In darkness let me dwell” son nieblas, son brumas, son ciénagas y tumbas que se extienden más allá del horizonte de nuestra mirada. Su fuente de inspiración lírica seguirá viniendo del mítico Percy Bysshe Shelley, y del gran maestro y compositor de música inglesa llamado John Dowland. Precisamente, el título para este álbum tendrá como origen, el nombre de una de las obras musicales mas famosas compuesta por John Dowland, “In darkness let me dwell”.

En este disco, el diseño elegido está basado en imágenes de descuidados edificios antiguos entre tinieblas, pertenecientes a la colección privada de fotos de la propia cantante, Tania Borsky. Las letras, de estilo gótico, le dan una mayor fuerza sacra al libreto, llevándonos a la inspección detallada no solo de los fondos, sino de cada una de las propias letras utilizadas. Pasemos a escucharlo... (Fuente: luxatenealibros)

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Carl Orff - Prometheus (ΠΡΟΜΗΘΕΥΣ) · [Ferdinand Leitner]

Prometheus (ΠΡΟΜΗΘΕΥΣ )

Siguiendo un criterio triádico-cíclico, Orff buscó una tragedia para complementar ›Antigonae‹ y ›Edipo el Tirano‹ que permitía una relación aún más estrecha con la representación tonal de la versión original. Desde el principio, el compositor decidió atenerse lo más fielmente posible a la lengua griega. Consultas con filólogos, actores griegos y directores produjo versiones divergentes del texto declamado que finalmente condujo Orff a una interpretación individual exclusivamente modelada gracias al flujo musical y gestual de la lengua.

La versión musical de la antigua lengua griega arrojó dos problemas que había que superar: la incomprensibilidad semántica del texto y la adaptación poética de una lengua que no podría ser asimilada en la música. Orff libera virtualmente del lenguaje las sílabas largas y cortas en las palabras y observa la acentuación de palabras y versos. Esto produce un tipo estilizado de »paralenguaje« sin una comunicación racional-lógica del significado, pero cargado de efectos originales monumentales a la manera del mito.

La primera actuación fue casi unánimemente evaluada como un »evento teatral.

La pasión de un antiguo dios – en alienación exótica

›Prometeo‹, de Orff, en la que el humanista apasionado y dueño de su peculiar noción de la unidad cultural creativa en Europa, se ha mostrado una vez más a sí mismo como una fuerza productiva fundamental e irrevocablemente exigente a su preocupación intelectual, es este excepcional caso de ese teatro mítico, que sigue siendo posible en nuestros días. (KH Ruppel en el Süddeutsche Zeitung, 23.6.1968)

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Este último espectáculo Orffiano es el equivalente al éxtasis de un estreno clásico: los dioses en el escenario se adhieren fielmente al texto original y recitan oráculos y lamentos junto con el coro de Oceánidas durante dos horas y media en griego antiguo -y por lo tanto se dirigen hacia una música que está concebido al margen del espíritu de la tragedia. (Der Spiegel, 25.3.1968)

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Generosos y aplausos entusiastas como confirmación de una noche de teatro musical elemental que se distancia del ámbito de la modernidad: una celebración de la poesía antigua renovada por Carl Orff y los protagonistas en escena que obtienen el éxito al disociar la trágica experiencia en su misterio, prístina imagen de las profundidades del tiempo, hasta situarla en la etapa contemporánea. (Werner Oehlmann en Der Tagesspiegel, 26.3.1968)

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Carl Orff - Carmina Burana [Piano version] (Eric Chumachenco)

Carl Orff (Múnich, 10 de julio de 1895-ibídem, 29 de marzo de 1982) fue un compositor alemán, cuyo trabajo puede ser enmarcado dentro de la corriente del neoclasicismo musical. Fue conocido por su obra Carmina Burana y también por desarrollar un sistema de enseñanza musical para niños (Schulwerk o 'método Orff') que ha tenido notables resultados.

El trabajo más famoso de Orff, Carmina Burana, se basa en la homónima Carmina Burana, una colección de cantos goliardos de los siglos XII y XIII reunidos en el manuscrito encontrado en Benediktbeuern en el siglo XIX. Escritos por monjes y juglares, la colección atrajo a Orff por lo diverso de sus versos que eran tanto humorísticos, tristes o sugestivos. Entonces eligió unos veinte al azar[cita requerida] y los arregló en crudas canciones para solistas y coro, acompañados por instrumentos y mágicas imágenes.

Este trabajo ejemplifica la búsqueda de Orff por un idioma que pueda revelar el elemental poder de la música, permitiendo al oyente experimentar la música como una fuerza primitiva y abrumadora. La poesía de los Goliardos, que no solamente cantaba al amor y al vino, sino que también se burlaba de la clerecía, encajaba perfectamente en el deseo de Orff de crear una obra musical que apelara a la «musicalidad fundamental» que, como él creía, todo ser humano poseía. Absteniéndose de una desarrollada melodía y una compleja armonía y articulando sus ideas musicales a través de sonidos básicos y patrones rítmicos fácilmente discernibles, Orff creó un idioma que muchos hallaron irresistible. A pesar del notable sentimiento «primitivo» de Carmina Burana, Orff creía que la profunda llamada de la música no era meramente física.

Carmina Burana forma la primera parte de la trilogía de las cantatas representadas llamadas Trionfi (Triunfos), todas basadas en textos latinos. La otras dos partes son Catulli Carmina y Trionfo di Afrodite. La primera representación, en 1937, fue un gran adelanto estilístico que trajo rápidamente fama a Orff. Además, Orff mismo toma a Carmina Burana como el inicio real de su carrera y, por lo mismo, ordenó a su editor destruir todos sus trabajos previos, una orden que, afortunadamente, fue desoída.

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George Bizet - Carmen [Tatiana Troyanos, Placido Domingo, José van Dam, Kri Te Kanawa, Norma Burrowea, Jane Berbié, Michel Roux, Michel Sénéchal, Pierre Thau, Thomas Allen]

Carmen es una opéra comique francesa en cuatro actos con música de Georges Bizet y libreto en francés de Ludovic Halévy y Henri Meilhac, basado en la novela Carmen de Prosper Mérimée, publicada por vez primera en 1845, la cual a su vez posiblemente estuviera influida por el poema narrativo Los gitanos (1824) de Aleksander Pushkin. Mérimée había leído el poema en ruso en 1840 y lo tradujo al francés en 1852.

La ópera se estrenó en la Opéra-Comique de París el 3 de marzo de 1875, pero su estreno fue criticado negativamente por la mayoría de los críticos. Estuvo a punto de retirarse casi después de su cuarta o quinta representación, y aunque esto se evitó, al final llegó a las 48 representaciones en su primera temporada, hizo poco para subir los decaídos ingresos de la Opéra-Comique. Cerca del final de su temporada, el teatro regalaba entradas para incrementar la audiencia. Bizet murió de un ataque al corazón, a los 36 años de edad, el 3 de junio de 1875, sin llegar a saber nunca cuán popular iba a ser Carmen. En octubre de 1875 fue producida en Viena, con éxito de público y crítica, lo que marcó el inicio de su popularidad mundial.7 No se representó de nuevo en la Opéra Comique hasta 1883.

Esta última ópera de Bizet no sólo transformó el género de la opéra comique que había permanecido estático a lo largo de medio siglo, sino que virtualmente puso fin al mismo. En unos pocos años, desapareció la tradicional distinción entre la ópera (seria, heroica y declamatoria) y opéra comique (ligera, burguesa y con diálogos hablados). Más aun, Carmen alimentó un movimiento que iba a ganar tanto celebridad como notoriedad, primero en Italia y luego en el resto del mundo: el culto por el realismo conocido como verismo.

La historia de "Carmen" está ambientada en Sevilla, España, alrededor del año 1820, y lo protagoniza una bella gitana de temperamento fiero. Carmen, libre con su amor, seduce al cabo don José, un soldado inexperto. La relación de Carmen con el cabo motiva que éste rechace su anterior amor, se amotine contra su superior y como desertor se una a un grupo de contrabandistas. Finalmente, cuando ella vuelca su amor en el torero Escamillo, los celos impulsan a don José a cometer el asesinato de Carmen.

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Anton Bruckner - Sinfonía nº 7 - [Conducting Sergiu Celibidache] - [Berlin Philarmonic Orchestra]

La Sinfonía nº 7 (WAB 107) de Anton Bruckner, es una de sus sinfonías más conocidas. Fue escrita entre 1881 y 1883, y revisada en 1885. Está dedicada al rey Luis II de Baviera. El estreno tuvo lugar en la ópera de Leipzig, en 1884, fue dirigido por Arthur Nikisch, y constituyó el mayor éxito de toda la carrera de Bruckner.

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